Андрей Кимович Есионов – признанный российский живописец, график, акварелист – ворвался на российскую арт-сцену относительно недавно, всего шесть лет назад. Но уже за этот непродолжительный срок достиг успехов, о которых многие художники и не мечтают: выставки в Московском Музее Современного Искусства, Российской Академии Художеств, Галерее Искусств Зураба Церетели, Государственном Русском Музее, и это еще далеко не весь список.
Художник уже успел проявить себя в разных амплуа: и как блестящий портретист, и мастер городского пейзажа, и создатель философских сюжетно-тематических работ. Одновременно с этим, Есионов в своем творчестве обращается к технике акварели, технике не самой популярной среди современных художников, которую он любовно называет «аристократкой».
Artifex: Сейчас вы признанный художник, ваши работы находятся в коллекциях ММСИ, ГРМ. Но прежде, чем говорить о вас в настоящем времени, давайте обратимся к истокам. Вы помните момент, когда осознали, что хотите быть художником?
Я рисовал сколько себя помню. И всегда видел, что рисую по-другому, не так, как мои сверстники. Скажем так, лучше, если говорить простым языком. Потянуло в художественный кружок, там понял, что хочу учиться серьезно. Художественная школа, художественный институт – так оно и случилось.
Artifex: Вы с самого детства видели будущего себя художником?
В детстве у меня, конечно, не было ощущения призвания. Просто хорошо рисовал, мне это очень нравилось, но я не видел в этом ничего особенного, не относился к этому как к какому-то дару, способности. Я всегда мечтал стать кем-то другим - капитаном дальнего плавания, например. Мечтал об океане.
Artifex: Интересно, что морская тема не нашла отражения в вашем творчестве.
Почему же? С раннего детства я рисовал море. Помню одну свою работу так, будто сейчас ее нарисовал. То было подводное царство. Моя воспитательница в детском саду отправила эту работу в Москву на конкурс в журнал «Веселые картинки». И рисунок занял первое место. Мне пришел конверт с поздравлениями и открыткой, на которой были изображены «Веселые человечки» - герои журнала. Мне очень нравилась эта открытка. Она хранилась у меня долгие годы, я рисовал с нее этих человечков. Тогда я, конечно, не осознавал, что это моё достижение как художника.
Artifex: Расскажите, как складывался ваш профессиональный путь дальше.
После окончания ташкентского Государственного театрально-художественного института я был уверен, что нашел свое призвание, нечто особенное, что люди ищут всю свою жизнь. Но и судьба внесла свои коррективы. Женился, родился сын, СССР развалился, а вместе с ним - и художественная система. Миру вокруг в то время было совсем не до искусства, а мне нужно было кормить семью. Так что, по сути, я художник молодой. Вернулся к призванию всего шесть лет назад.
Artifex: А в Союз вы вступили тогда или уже после двадцатилетнего перерыва?
В конце восьмидесятых мои работы отправили в Японию. Спустя некоторое время меня вызвали на кафедру живописи и сообщили, что моя картина взяла Гран-при, а к ним приехал некий партократ и требует, чтобы молодому художнику предоставили возможность вступить в Союз художников СССР. Но я в то время уже больше думал о бизнесе, и у меня не было дикого желания, а тем более - необходимости лететь в Москву специально. Вот я и откладывал свой поход на Гоголевский.
Только через несколько лет, уже после развала СССР, я решил, что было бы неплохо сходить, получить все-таки корочку. Заехал туда, спросил Таира Салахова. Он принял меня и говорит: «Мой друг, а вы в курсе, что Советского Союза больше нет?». Предложил вступить в организацию-преемника. Так я и получил свою корочку Творческого Союза Художников России. Но это не значит, что я опять начал рисовать.
Artifex: Что же подтолкнуло вас шесть лет назад к мыслям о возвращении?
К творчеству меня тянуло всегда, но, наверное, отвлекала работа или надуманные причины. До сих пор не могу понять, как мог не рисовать столько лет, ведь я ночами просыпался в холодном поту оттого, что не занимался этим делом.
Artifex: Как вы обретали свой творческий стиль?
Я глубоко убежден, что не надо заморачиваться в том, что касается стилей. Когда художники начинают надумывать или подражать - это тупиковая ветвь развития. Свой стиль получается, когда не думаешь об этом. Это как дышать. Это как почерк. У вас же есть почерк, он свой, вы же ничего не придумываете, не подделываете. Это характер. Ты хоть тресни, но он своим будет. Есть ведь даже службы, которые по почерку могут определить идентичность человека. Но это при условии, что он умеет писать!
Artifex: Что для вас вдохновение?
Вдохновение – это когда начинаешь рисовать и остановиться не можешь. Оно идет, оно затягивает, но само по себе не приходит. Надо переступить через собственную лень, как во всем. Вот стоит холст, он притягивает, но надо начать, подготовиться, краски надавить, если акварель - то воды принести и так далее. Вдохновение приходит в процессе.
Artifex: Когда вы начинаете работать, вы всегда заранее знаете, что хотите изобразить или в процессе приходит осознание сюжета?
Однозначно - заранее. Особенно в акварели. Когда работаю маслом на холсте, то можно всегда что-то исправить, замазать поверх слоя краски, а акварель приучает к другому: здесь нельзя так «хулиганить», обязательно надо заранее все продумать, финал произведения в голове должен быть готов еще до начала работы над ним.
Artifex: Расскажите о своем творческом подходе к созданию работы.
Сначала идут подготовительные наброски, потом я собираю из них некую композицию, как коллаж. И прежде, чем начинать работать уже цветом, я сначала все должен продумать, вплоть до малейших деталей. У меня в голове должна быть полностью законченная работа. На самом деле, акварель приучила меня и с маслом работать так же. Хотя с маслом, конечно, немного попроще. Но все равно много, набросков, однако это классика, по-другому нельзя, иначе, считай, это пренебрежение к искусству.
Artifex: Вы активно продвигаете технику акварели. Называете ее «аристократкой». Почему вы обратились к этой не самой популярной технике?
Акварель - сложная, поэтому интересная. Она требует уважения к себе, внимания, требует школы. Техника акварели известна со времён Древнего Китая, в Европейском искусстве акварель практически до конца XX века использовалась в графических полотнах и как вспомогательная техника. Но акварель имеет колоссальный потенциал как самостоятельное медиа, без определения к графике, к живописи или к какой-либо иной принадлежности поэтому интерес к ней растёт семимильными шагами. Появились сильные и талантливые акварелисты. Наблюдаю особое внимание профессиональных галерей, предчувствующих акварельный бум и потрясающее будущее этого медиа.
Artifex: А как зритель воспринимает акварельные картины?
В прошлом году меня пригласил Московский музей современного искусства сделать выставку акварелей. Экспозицию кураторы музея организовали очень талантливо. Народу было столько, что интерес людей побил рекорды посещаемости в этих залах за время выставки. На открытии был заведующий отделом новейших течений Государственного Русского Музея, он посмотрел и предложил организовать персональную выставку в Питере. Опять же, акварели. И, представьте себе, снова были побиты рекорды посещаемости - около 20 000 посетителей пришли посмотреть акварели, так что Русский музей продлил выставку на месяц и принял решения приобрести в коллекцию три работы.
Artifex: А вы на пленэре работаете, или только в мастерской?
На пленэре работал всегда и много, сейчас редко. Объясню. Однажды я писал в Риме, там, где испанская лестница. Это было в феврале, людей мало – очень удобное время. Так там обычно очень много художников, торговцы ходят, бусы какие-то, безделушки продают. Когда пишешь акварелью, краска течет, и надо поймать нужный угол, а я достаточно высокий, поэтому между ног зажал планшет с бумагой для удобства, вокруг меня собирались люди – такое шоу получилось. А когда я закончил, то сорвал аплодисменты. Такое внимание, конечно, создает некоторый дискомфорт. Приспособился в машине писать, это в основном были городские пейзажи. Но основной мой интерес - люди. Мне нравится наблюдать с карандашом, делая наброски, потоки людей на площадях, проспектах, на вокзалах, в музеях. Они наполнены сюжетами. И каждый сюжет, как новый рассказ, и все эти натурные зарисовки ложатся в основу крупноформатных акварелей, картин маслом, которые творятся только в мастерской, когда остаешься один.
Artifex: А у вас еще есть «философские» картины. Расскажите, пожалуйста, что вы вкладываете в это определение?
Это определение дали критики. Я пишу свои работы с попыткой перенести на холст или бумагу собственное восприятие фрагмента истории, события. Хочу добавить, что картины, написанные маслом на больших холстах, чаще всего размером более двух метров по одной из сторон. Не знаю, почему такой формат, но думаю, что выбираю интуитивно.
Artifex: А вы выставляли их где-то? Может быть, сейчас идет выставка ваших работ?
Да. У меня была персональная выставка таких работ в галерее Зураба Церетели. Называлась «От А до Я в пространстве художника». Вообще у меня было много выставок после возвращения. В Российской Академии Художеств была персональная выставка «Москва и москвичи», где были выставлены портреты известных, но, в первую очередь, интересных для меня людей. Сейчас регулярно приглашают музеи на проведение персональных выставок. Только закончилась выставка в Самарском художественном музее, идет в Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан, в октябре откроется в Государственном музее искусств Узбекистана.
Artifex: А что касается творческих планов, намеченных целей?
Главное - не останавливаться. Когда регулярно работаешь, появляется постоянно новое, как бы безусловное развитие. К тому же, меняется сама живопись, она развивается. Живопись вообще развивается, как наука. Если взять для сравнения живопись XV, XVII и XX веков, а для примера поставить хоть репродукции картин Дюрера, Веласкеса и Фешина рядом, то поражает сумасшедший темп развития изобразительного искусства. Сейчас много веяний, попыток открыть совершенно новые направления, популярно концептуальное искусство, но сильного развития я не замечал.
Artifex: То есть, к концептуальному искусству у вас негативное отношение?
Да нет, почему же, совершенно ровное. Может быть, даже и интересно, и весело. Я встречал стеб. Такая клоунада. Повеселились, но это не изобразительное искусство. На самом деле, не важно какую концепцию в современных медиа выбирает художник, если это талантливо и профессионально. Я ведь тоже формирую свою концепцию, только использую для этого традиционные материалы, которые, несмотря на свою историю, невероятно новы, потому что неисчерпаемы в изучении. В том числе и акварель.
Artifex: Большое спасибо за встречу и интервью!